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“You do not need to leave your room. Remain sitting at your table and listen. Do not even listen, simply wait, be quiet, still and solitary. The world will freely offer itself to you to be unmasked, it has no choice, it will roll in ecstasy at your feet.” - Franz Kafka

There is a quiet presence in Flora Temnouche’s restrained, bleached interiors, where the artist’s depiction of habitual, domestic environments imbues the everyday with brimming reverence.

Temnouche’s compositions depict quotidian objects, expansive interiors, and psychological self-portraits, lending a subjective mode to her paintings. The artist lives closely with her work, painting the incidental accumulation of her belongings as they accrete over time. Floorboards and plaster cornicing, radiators and shroud-like curtains frame quiet corners of her flat, lending the compositions the feeling of tableaus yet to be entered: a shirt hung expectantly, a grapefruit, split to be eaten, figures stood with pause. These compositions create a sentience within the works, making the habitual strangely unfamiliar with her careful use of detail and staging. Bright windows and open, expectant, doorways create an unexpected expansiveness, sitting discordantly alongside a resounding solitude within the paintings.

Working in oil on canvas primed with gesso, marble dust, and rabbit glue, Temnouche refers to her compositions as a kind of ‘secular altar’,1 with each object at once commonplace, yet imbued with singular significance. An equivalence can be seen between Temnouche’s humble realism and the work of Israel Hersberg, whose use of detail and study of the solitary lends2 his paintings an unplaceable ennui and spiritual simplicity. Where Hershberg’s paintings, and particularly, his more realistic figuration, connote Roland Barthe’s understanding of the ‘amorous or funereal immobility’3 in photography – a strange temporal suspension where presence is transformed into memory – Temnouche’s ability to depict stillness and solitude also creates an ambiguous temporality.

Speaking about her work, the artist links her preoccupation with the ritualism of the everyday to an ancient fascination with domesticity. Not only is there a direct visual equivalence between Temnouche’s brushy application of paint and the attrited surfaces of Pompeiian fresco fragments, but the Roman tradition of the Unswept Floor4 – a custom where scraps of food were thrown to the ground after opulent banquets, thought of as gifts to the dead5 – is a motif of particular fascination for the artist. Where this spectre of death within the everyday was immortalised in mosaic floors in Roman houses, Temnouche’s work also leans towards the ascetic, with pared-back interiors immortalising the simple, humble and authentic, laden with an other-worldy yearning.

Temnouche draws particular influence from the work of Avigdor Arikha6, the Romanian-born French–Israeli painter, whose psychological portraits, restrained palette, and use of thinning, dry brushwork resounds throughout Temnouche’s work. The influence is especially clear in the artist’s Self Portrait, a direct reference to Arikha’s own7. In both works, the canvas dominates the picture plane with self-referential impulse. Much like Arikha, Temnouche returns repeatedly to the self, though she remarks that each self-portrait feels unfamiliar, as if the painted figures have assumed their own identities. In the artist’s self-portrait, the exposed stretcher bars of the canvas being painted also have latent religious symbolism – implying both the crucifix and coffin.

Throughout the works, figures can be glimpsed walking, reclining, pausing, much like the furtive solitude of American painter Danielle Mckinney’s practice8. Replete with figures unaware they are being observed, McKinney’s subjects rest, drift, and retreat behind objects. In both practices, there is an implied displacement of the self, where interior psychology spills into domestic space9: Subjects drift through rooms like characters in a story whose plot remains ambiguous.

Temnouche’s depiction of solitude falls within a tradition of women representing themselves in closed, interior spaces. Much like the fragile presence at play within Francesca Woodman’s photography10, figures in Temnouche’s work appear and disappear, as if perpetually walking from one room to the next. The artist’s process, using layers to slowly build her compositions, adds to this ghostly presence, with earlier versions remaining ghostly implications in the finished paintings, the only evidence of their presence being a laminous build up of gesso at the works edges, creating a fittingly ambiguous periphery. Here, a tension between liberty and confinement, expression and concealment, lingers.

Written by Lydia Earthy

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Au commencement, il y a cette assiette*. Simple, insignifiante et pourtant essentielle. Elle ouvre la voie à l’artiste vers un travail tourné vers son environnement immédiat : l’espace de l’atelier. Lieu de création mais aussi espace personnel, il devient motif. L’artiste en représente les objets qui l’accompagnent au quotidien et qui peuplent cet espace de travail. Ce sont des objets usuels, un verre, une tasse, des bocaux, mais aussi des objets plus personnels tels que ses livres qui nourrissent sa créativité. Cette représentation sans artifice et sans mise en scène, montre l’attachement de la peintre à enregistrer et compiler des instants vécus, catalysés ici par la représentions d’objets qui, selon les mots de l’artiste, « portent en eux une certaine neutralité tout en étant chargés d’un sentiment d’appartenance ». Ce sont autant d’éléments, qui existent près d’elle et qui se mêlent naturellement à ses outils de travail. C’est cette relation hasardeuse, accidentelle et cette interpénétration entre son univers créatif et celui de son quotidien qui a intéressé la peintre. Ces objets se font en quelque sorte l’intermédiaire entre l’espace clos de l’atelier et le monde extérieur. Les jeux de reflets, de lumières qui les traversent en sont les premiers médiateurs.

Cette interférence entre son monde intérieur et le monde extérieur est ce qui lie l’ensemble du travail de Flora Temnouche. L’atelier est en effet aussi le lieu où l’artiste ingèrent des instants passés, se remémorent des lieux traversés. Ces derniers sont convoqués par une multitude de clichés que la peintre réalise au préalable et conserve précieusement tel un atlas de sa propre vie. Certains de ses tableaux en sont le résultats. Si la composition n’en restitue, cette fois-ci, que des bribes et se focalise sur la couleur, délaissant volontairement leurs contours et leurs représentations mimétiques, il s’agit pour la peintre d’en fixer davantage ses sensations : celles qui restent malgré le temps et se transforment en souvenir. « L’abstraction me permet certainement de condenser le côté évanescent du souvenir visuel qui s’imprègne furtivement au fond de l’œil. (...) Ce qui m’intéresse dans cette idée d’atlas intime ce serait de cantonner mon approche qu’à ce que mes yeux voient », explique-t-elle.

L’exposition personnelle de Flora Temnouche, « Atlas », présente une sélection de peintures qui met en évidence le lien qu’entretien l’artiste avec les choses mais aussi l’atmosphère qui habite des lieux. C’est cette relation, ce va et vient entre immédiateté et souvenir qui se répond entre ses œuvres oscillant entre figuration et abstraction. 

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 Written by Elsa Meunier

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